Categoría: Mercado del Arte

Tras el renacimiento italiano, cuando el arte pasó a formar parte del pensamiento humanístico, muchos aristrócratas disponían del llamado cuarto de maravillas o gabinetes de curiosidades para mostrar su riqueza y gusto artístico (Studiolo en italiano). Allí se exhibían el arte contemporáneo, antigüedades, curiosidades científicas, libros… incluso generó un estilo pictórico que se denominó Pintura de Gabinete.

Siglos después, entre el siglo XVII y XIX, se puso de moda entre los jóvenes con recursos el llamado Grand Tour, origen del turismo moderno, donde realizaban un itinerario por Europa como etapa previa a la edad adulta. Este viaje iba alrededor de la cultura, el arte y la adquisición de recuerdos en forma de obras de arte y objetos decorativos. Su influencia educativa era de primera magnitud, hasta el punto que incluso en la Contrarreforma española de Felipe II se prohibió a los jóvenes españoles hacer el Grand Tour para evitar influencias de nuevas ideas y avances científicos. Fue revocada a la llegada de los Borbones con la orden del rey Felipe V de crear un gabinete de curiosidades en la Biblioteca Nacional, en 1712.

Independientemente de los devenires en españoles, la compra de objetos de arte se hizo así relativamente popular y aparecieron núcleos con un mercado floreciente del arte: Venecia, Florencia, Roma, Amberes, Amsterdam. Así se llenaban los Cuartos de Maravillas de objetos artísticos, al punto que posteriormente algunas colecciones fueron precursoras de los primeros Museos. Fue con la aparición de los museos que los cuartos de maravillas fueron cediendo sus colecciones y se pasó del gabinete privado e íntimo, con la personalidad del coleccionista, a una exposición destinada al público. Al tiempo fueron apareciendo las colecciones privadas representativas de los siglos XIX y XX.

Los cuadros más famosos están normalmente en los museos para el disfrute de todo el público y sus precios son incalculables. Sólo como "anécdota" se estima que La Mona Lisa de Leonardo da Vinci,  propiedad del Museo del Louvre, tiene un valor de 780 millones $.

Los cuadros que están en manos privadas son los que a veces aparecen en las subastas y galerías. De entre ellos, esta lista muestra los 10 cuadros más caros en ventas privadas y subastas y hasta donde se ha llegado a pagar por un cuadro:

1. Jugadores de cartas, de Paul Cézanne – 259 millones $ en 2012

 

 

 2.  El sueño, de Pablo Picasso - 155 millones $ en 2013

 

 

 3. Tres estudios de Lucian Freud, de Francis Bacon – 142.4 millones $ en 2013

 

 

 4. Número 5, de Jackson Pollock – 140 millones $ en 2006

 

 

 5. Mujer III,  de Willem de Kooning – 137.5 millones $ en 2006

 

 

 6. Retrato de Adele Bloch-Bauer, de Gustav Klimt – 136 millones $ en 2006

 

 

 7. El grito,  de Edvard Munch – 120 millones $ en 2012

 

 

 8. Bandera, de Jasper Johns – 110 millones $ en 2010

 

 

 9. Desnudo, hojas verdes y busto,  de Pablo Picasso – 106.5 millones $ en 2010

 

 

10. La luz de Ana,  de Barnett Newman – 105.7 millones $ en 2007

 

 

Y ¿tú qué opinas? ¿Crees que todos estos cuadros lo valen? Déjanos tu comentario 😉

El mercado del arte está fuertemente ligado a un grupo de instituciones y entes individuales que comercializan económica y artísticamente con el arte, fijando sus precios y muchas veces dirigido hacia el juego de la oferta y la demanda.

Entre los agentes del arte más habituales están:

• Las subastas de arte: como las celebérrimas Sotheby’s o Christie’s
• Las galerías de arte
• Los marchantes de arte
• Las Ferias de Arte
• El Mecenazgo o Patrocinio

Desde el otro lado del mercado está el público interesado en comprar obras artísticas y que es diverso:

• Público privado, desde aficionados a coleccionistas
• Instituciones públicas, como museos, ayuntamientos o gobiernos
• Instituciones privadas, como empresas y fundaciones

Muchos artistas se pueden sentir seducidos por este mercado, ya que, en un principio, se presenta como una forma de obtener con mayor facilidad reconocimiento y prestigio, al tiempo que les brinda la oportunidad de poder dedicarse y vivir económicamente de su propia obra. Sin embargo, en situaciones extremas podría resultar perjudicial para el artista por la serie de condicionantes que pueden limitar, en beneficio de un mayor éxito económico, la libertad creativa del propio artista. Es decir, el arte podría deja de ser arte, perdiendo su identidad y significado y estando a merced de las exigencias que el mercado pueda imponer en un momento determinado.

Por contra a esta forma de realizar “obra artística”, surge otro concepto cuya principio fundamental es el arte por el arte, el arte que no se deja manipular, desinteresado, alejado de su utilidad mercantil, de intereses económicos, ese arte cuyo único propósito es el de crear un lenguaje propio, alejado de cualquier interés ajeno al sentido intrínseco de la propia obra. En este caso, el artista suele carecer de todo tipo de facilidades, ya sea mecenazgo, marchantes o meras galerías sin ánimo de lucro que faciliten la posibilidad de darlo a conocer.

Sin duda que el éxito real se cumple cuando ambos aspectos, el del mercado del arte y el sentido puro del arte pueden encontrar un punto en común. Arduo trabajo para el artista contemporáneo, cuando aún no se ha pasado el filtro de lo que ha marcado la historia.

Repro-Arte ha nacido con la visión de crear ese punto de encuentro independiente que se convierta en ventana de el arte por el arte mostrado libremente a todo el público.

Comenzamos aquí una nueva sección, donde iremos analizando este complejo mundo del arte y su relación con el mercado.